Histoire de l'art contemporain





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Cubisme analytique

Les volumes des personnages sont éclatés, et découpés. Tous les éléments sont ramenés vers la surface du tableau et réorganisés à partir d'éléments géométriques. Les lignes deviennent des signes, suffisants pour l'on repère les différents éléments dans l'oeuvre, un visage, un corps... Des zones plus claires vont aider pour ce repérage.

Cubisme hermétique

Braque, le Portugais 1911-1912

Ce qui intervient ici et qui apporte un élément nouveau est l'introduction de lettres dans la partie haute du tableau, qui sont peintes au pochoir. Elles vont apporter des signes linguistiques qui viennent jouer par rapport au style plastique des traits noirs. On est dans une phase qui correspond au moment où Picasso et Braque ont pris conscience dans l'impasse où ils se trouvaient. Ils vont apporter une solution en apportant ces éléments linguistiques, qui vont réidentifier l'espace pictural, puisque ces lettres vont repousser de fait le reste de la composition. Ils vont réintégrer ce qu'ils ont tenté d'enlever: la planche qui s'échelonne, la réintégration de la profondeur.
Cette première phase va être rapidement suivie par l'introduction de papiers collés. Braque Nature morte sur une table 1914. On a des éléments posés les uns sur les autres, posés sur un fond, de nouveau identifiable. Le papier peint représente du faux bois. Papier peint de façon industriel, approprié par l'artiste qui l'intègre dans sa composition. (publicités découpées dans des magazines...). Composition organisée, avec une organisation qui renvoie à un certain nombre d'éléments que l'on peut identifier comme une nature morte, qui intègre une forme destructurée qui renvoie à la présence d'une guitare tracée au fusain, et renvoie aussi à la texture même de cet objet. Le papier collé vient affirmer un plan à partir duquel les autres éléments viennent se greffer. Déconstruction de la forme, mais permettant d'avoir une visibilité plus claire.
Picasso, guitare, papier à musique et verre 1912: formes très simplifiées permettant d'identifier la présence d'une guitare, avec éléments d'une nature morte, jouant sur le même registre de ces éléments empruntés qui viennent de l'extérieur (fragment d'un journal...).

Futurisme italien

Marcel Duchamps, en 1912, va présenter une oeuvre: Nu descendant un escalier n°2, au salon des Indépendants. A cette époque, on a une forte représentation du cubisme. Cette oeuvre respecte les codes cubistes dans la palette chromatique, mais aussi dans la manière de décomposer le corps en de multiples facettes. Pourtant, elle va faire scandale et va être interdite de l'exposition. Un an plus tard, elle va être présentée à l'Armory Show et va rendre Duchamps célèbre. Normalement, le nu est représenté dans une pose immobile. Ici, Duchamps représente le nu dans une mobilité. Il avait déjà travaillé la composition du mouvement d'un corps dans son oeuvre de 1911 Dulcinée.
Etienne Jules Marey, physiologiste français, étudie les mouvements en 1887, en prenant des photos. Prises de vue à intervales réguliers avec un seul appareil. On tourne la manivelle et on enregistre des photographies sur une seule plaque. Il s'habille en noir avec des traits blancs qui permettent de faire un relief. On voit juste un graphisme de lignes blanches.

Duchamps a entendu parler de ces travaux et reprend certains éléments des photographies de Marey.

On s'intérèsse essentiellement à un ensemble de lignes, et plus aux volumes. La trajectoire de la jambe est le plus important.
En 1912, les futuristes italiens organisent leur première exposition dans une galerie à Pa ris. Ils publient une préface du catalogue de leur exposition, très provocatrice par rapport aux expositions de Paris: "Nous sommes absolument opposés au cubisme". Ils cherchent à traduire la vitesse. La figure du futurisme est Marinetti un poète. En 1909, ce dernier publie un manifeste à Paris dans le Figaro. Il présente un programme qui sert des buts annoncés dans ce manifeste. Dynamisme d'une automobile, 1912-1913. La forme de l'automobile est complètement destructurée. L'oeuvre est bâtie sur des lignes de forces s'organisant en des triangles insérés dans les uns et les autres. La forme se modifie avec la vitesse. On représente la trajectoire de l'objet, et au fur et à mesure que l'automobile avance, les lignes s'ouvrent de plus en plus vers l'extérieur. Il y a une traversée dynamique de l'espace, comme avec la statue "Forme unique de continuité dans l'espace" 1913, positionnée sur des socles, et déformée par l'espace qu'elle pénètre.
Le manifeste des peintres futuristes est publié en 1910. Comment représenter le dynamisme en peinture? Représenter le passage des objets en multipliant les contours simplifiés à des signes abstraits, superposer et se faire chevaucher au même point que l'espace figuratif les objets les plus lointains et les plus proches.
Dynamisme d'un chien en laisse, 1912 Balla : Zones de superposition des pattes, des jambes de la maîtresse... Les pointillés sont utilisés comme codes graphiques.
Boccioni la rue entre dans la maison, 1911 lointain et proche se confondent.

Naissance des abstractions

Kandinsky, Delaunay, Malevitch, Mondrian

Cela apparaît autour de 1910. On considère que l'aquarelle de Kandinsky de 1910 marque l'avènement de l'abstraction dans l'art. On parle de l'art abstrait comme une rupture avec l'art antérieur. Il y a plusieurs conjonctions, partis pris de plusieurs artistes, qui se retrouvent autour du fait que l'oeuvre ne doit plus renvoyer à une réalité extérieure, et doit chercher à exprimer une réalité plus spirituelle. Cet art se concentre sur les moyens propres à la peinture, et il y a un processus d'émancipation progressif vers l'abstraction, à partir des expériences des artistes de la nature pour construire une forme plastique qui prend appuie sur la référence de concevoir la peinture comme des lignes, des formes. Il y a un langage plastique, des moyens propres à la peinture, le langage des formes et des couleurs. Cette idée va être en particulier portée par Kandinsky. Cette démarche vers l'abstraction, la prise de distance vis à vis du sujet est souvent portée dans une référence, qui est une référence à un autre modèle artistique: la musique. C'est une forme de langage qui n'est pas soumise à la mimésis, et qui devient une sorte de modèle dont vont se servir les peintres pour élaborer leur propre langage plastique.
Parmi les représentants de l'expressionnisme allemand, il y avait un groupe la NKVM, en 1909. On part de la nature pour en tirer une vision du monde intérieur.

Kandinsky Etude de nature à Murnau,1909. On a des choix plastiques qui renvoient à une simplification des formes du paysage, réduit à des formes triangulaires en particulier. Au centre, apparaît un grand triangle bleu représentant la montagne. Cet art exprime sa position de s'éloigner du motif de la nature, pour aller vers une expression qui est provoquée par la nature.
Kandinsky décide de quitter la NKVM, et fonde avec Franc Marc le groupe du Blaue Reiter, qui va être un rassemblement d'artistes autour du projet du Blaue Reiter. Il va mener au développement d'une forme d'abstraction picturale. L'almanach va être publié en 1911. A la fin de l'année 1911, il y a eut une exposition du Blaue Reiter à la galerie Thannhauser à Munich. Cette exposition fait date, car elle est le moment où se manifeste pour la première fois la pensée théorique de Kandinsky sur l'abstraction et elle accompagne l'apparition de l'ouvrage du spirituel de l'art de 1910, qui fait la synthèse des recherches de Kandinsky et qui développe une théorie picturale. Cet ouvrage se divise en deux parties: une où Kandinsky appuie sa théorie sur des doctrines spiritualistes, et une deuxième basée sur l'autonomie des formes et des couleurs. Il va définir trois catégories de tableaux répondant à ses propres oeuvres: L'impression, l'improvisation et la composition. Ce sont surtout des processus de création. Il faut établir un lien entre les couleurs et les formes. Une couleur va être soulignée ou atténuée par une forme. De même, qu'une forme sera renforcée dans ses effets ou atténuée par la couleur qui est à l'intérieur. On utilise beaucoup le rond pour renforcer la profondeur.
Goethe en 1810, rédige un traité qui met en avant, que les couleurs sont perçues par les gens pyschologiquement. Kandinsky reprend cette théorie pour inventer son propre fonctionnement des couleurs. Pour lui, il y a des divisions qui s'organisent autour des pôles bleu et jaune. Cela renvoit à la perception: la chaleur ou la froideur, la clarté ou l'obscurité. Il affirme que la chaleur ou la froideur d'une couleur sera une tendance du bleu ou jaune. Ces deux pôles organisent un mouvement des couleurs, qui s'éloigne ou qui se rapproche du spectateur. Ce système personnalise les couleurs devenant des êtres, ayant leur propre façon de fonctionner. Ce mouvement sera soit excentrique, soit concentrique. Le blanc et le noir jouent aussi un rôle sur le dynamisme de la couleur et de la forme.

Catégorie de l'improvisation: "Improvisation XIV", 1910. Cette oeuvre conserve quelques éléments d'un motif identifiable. On peut identifier un sapin à gauche, qui vient fermer la composition, et qui est représenté par un triangle. On voit des éléments de buissons traités de vert. Composition très structurée et organisée par rapport à un axe central qui traverse la composition. Il y a un ensemble de plans échelonnés. Premier marqué par l'arbre et les buissons, qui est lui-même enchepétré dans un second plan dans lequel on aperçoit des formes de chevaux ou de cavaliers, qui lui-aussi se trouve dans un troisième plan avec une forme bleue. C'est une façon d'unifier les différents plans. Les formes sont essentiellement délimitées par des tracés noirs, ce sont des formes simplifiées, rythmiques. Cette composition est à la fois dynamique et équilibrée. On voit dans ce rapport des formes à la couleur, une façon de faire intervenir une palette de couleurs limitée à trois couleurs primaires (rouge, bleu, jaune). Le vert est une couleur de mélange et apaise le premier plan, tandis que s'affrontent le rouge et le jaune situés au centre. A certains endroits, la fonction descriptive du contour est en train de disparaître, et la ligne noire perd sa fonction de contour pour devenir un élément plastique libre dans la composition.
Catégorie de l'impression: "Impression V" (parc), 1911. On est la dans le premier niveau de dissociation du lien avec la nature extérieure, encore présente avec le terme de "parc". C'est la représention de la perception que Kandinsky a eut en voyant des cavaliers dans un parc. La composition s'organise autour du centre, ce grand triangle traité de rouge. Il va trouver un balancement avec le bleu, et le jaune et le vert qui vont venir jouer dans des rapports de formes et de couleurs. La couleur est libérée de son rôle descriptive. C'est un lien entre elle et les formes qui l'accueillent, et ce sont les lignes noires qui donnent un rythme à l'ensemble.
Catégorie de la composition: "Avec l'arc noir", 1912. Nature intérieure. Elément graphique important, ligne ressemblant à un arc partant au dessus de la forme bleue, qui traverse la forme violette et qui descend de façon plus affinée dans la forme rouge. Effet de mouvement entre les éléments du tableau, effet d'ouverture qui semble être porté par le mouvement de l'arc qui ouvre vers le haut bois du tableau. Pour Kandinsky, c'est la catégorie la plus efficace. Il y a une forme plus arrondie qui apparaît comme étant la synthèse de la forme bleue et rouge qui se trouve en bas, et correspondant au mélange des deux couleurs. Passivité du violet marquant un équilibre et qui va retrouver une sorte d'accent grâce à l'arc.
Contemporain 6

B) Le gout de l’Antique

 A Paris le Paris Impériale de Napoléon empreinte à l’Antique qui se confirme par de grands monuments édifier sous Napoléon.
 1806 est une date importante :

 de l’aménagement du Paris impériale
Napoléon demande un autre monument pour la grande armée, à la place de la Concorde.

 Or sous Louis 15 il était prévus d’édifier une église et donc en 1806 Napoléon :
Organisation d’un concours pour l’aménagement du Temple de la gloire.

 C’est Vignon qui remporte le concours et il opte pour un monumental temple à l’antique.
Édifice rendu à l’Église en 1813 mais il s’achève qu’en 1840 mais c’est un chantier qui complète le Paris impériale, c’est un temple périptère.
 Mais il y a ici une spécificité, c’est un temple grec mais avec un podium Romain.

Palais impérial de la bourse
Édifié à partir de 1809 par Alexandre Théodore Brongniart :
 C’est l’édifice le plus important de cet architecte, et c’est encore un temple périptère.
La bourse en termes de programme architectural de vient pas du 19ème mais du 17ème.
Nous avons ici de l’architecture soit Grec ou Romaine

 Mais les architectes Français vont aussi voir d’autres architectures Antiques de peuples différents :
 Le Portique Égyptiens de l’hôtel de Beauharnais.

C’est une manière de rappeler que Beauharnais avait pris part à la fameuse Campagne d’Égypte :
Militaire
 Scientifique

 Elle va alors avoir un impact sur la connaissance de la Civilisation Egyptienne tout au long du 19ème.
Nous avons ici des formes traditionnelles de l’architecture égyptienne avec :
Corniche à gorge
Colonnes palmiformes
Cet architecte n’a pas fait la copie d’un monument Égyptien existant mais il a associé des éléments qu’il jugeait caractéristique de l’architecture égyptienne.

Au fond c’est l’armée et l’antique qui permet ces chantiers

II) La peinture sous le Premier Empire
Napoléon met en place une politique artistique fort multiplication :
Des Commandes
Des Contrôles
Des Récompenses
L’homme qui vas appuyer les volontés de l’empereur c’est Vivant Denon, c’est un homme de lettre (roman érotique).
 Il est nommé Directeur général des musée en 1802, ce titre correspond à l’équivalent du Ministre de la culture.
 Il a sous sa responsabilité :
Musée Napoléon
Les Salons (déroule tout les 2 ans au Louvre)
Préside le jury d’admission du Salon.
Passe commande auprès des artistes.
 Il joue un rôle important dans la vie artistique du Premier Empire
 Quelques cas Napoléon passe direct commande avec les artistes avec son premier peintre qui est David. Et n’hésite pas à faire changer les tableaux.

Le Salon as souvent été présenté comme une galerie des faits et geste glorieux de l’Empereur.



David, Bonaparte franchissant les alpes, 1801, au château de Malmaison.
 Dès le Consulat, il a passé commande, afin de se représenter calme sur un cheval fougueux.
Ce qui va motiver la réalisation de ce tableau car il renvoie à l’épisode des guerres révolutionnaire car en 1800 il voulait frape les Autrichien et pour cela il passe les Alpes avec son armée dans le Col du Mont Saint Bernard et remporte la bataille de Maringot.
 Il a voulus qu’on associe sont nom à :
Charlemagne
Anibal (général Carthaginois)
 Tout les deux ont réussis à traverser les Alpes

 Ici David peint le héros d’une épopée Moderne, et en peignant ce portrait équestre de grande dimension s’inscrit dans une tradition pictural amorcer depuis la Renaissance.
 Et dans ce tableau David a mêlée :
Souci de réalisme (documentation costume et accessoires)
Idéalisé l’Empereur pour faire une sort d’allégorie de l’héroïsme.
Ici, Bonaparte invite toute la France dans son épopée.
 C’est un message politique.
Progressivement la représentation de Napoléon va évoluer avec son destin politique.


Antoine Jean Gros, Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa, 1804, 5,2×7,2, Louvre
(11 mars 1799).
 Ce tableau évoque la vaste Campagne militaire et scientifique de 1798-1801 en Egypte, mais les opération militaire en conduit les armées Française à se battre en Palestine (Jaffa).
 C’est la scène représenter dans le tableau ou Bonaparte qui visite un hôpital de Jaffa ou des soldats Français sont atteins de la peste.
 Le peintre montre que le Général reste toujours proche de ses soldats.
 Mais en réalité il montre que la peste n’est pas si contagieuse que ça car ici il touche un bubon sans aucun gant :
geste de compassion
geste de courage
Contraste avec son officier qui plonge son nez dans un mouchoir.
 Ici Bonaparte effectue un geste Thaumaturgique :
Faiseur de miracle, c’est un geste connoté historiquement puisqu’il évoque deux choses :
Christ qui guéri les lépreux
 Le geste que font les Rois de France le jour de leur sacre était censé guérir les écrouelles.
Ce tableau alimente une sacralisation de Bonaparte.
Parenté de pose avec l’Apollon du Belvédère, qui peut s’expliquer :
Par la valorisation des peintres de l’Antiquité
Visconti (archéologue) avait écrit que les Athéniens avait commandé cet Apollon pour le remercie de la fin d’une épidémie de Peste.

 Le peintre montre qu’il est possible de peindre l’épopée moderne dans les formes de la peinture d’histoire.
 Cette peinture peut être au service du pouvoir et peut véhiculer le message de la contre-propagande.
 Quand Bonaparte quitte Jaffa il ordonne au médecin d’achever les soldats qui ne peuvent pas suivre, Anglais qui vont le faire éclater dans la presse,
 Ainsi ce tableau fait l’opposition avec cette histoire.

Cependant Gros ne tombe pas dans une trop grande servilité à l’égard du pouvoir :
 Les souffrances de ces soldats avec un
Spectacle dégradants de corps sales, amaigris
 Des regards hébété par la maladie
La folie et le désespoir.
 Visite est une véritable descente au enfer.
Il s’impose sur la scène artistique parisienne et va contribué à renouvelé la peinture d’histoire par un réalisme un peu plus marquer que chez David par :
 Un gout du détail cru
 Par l’exaltation des sentiments.
Couleurs et le contrastes
 Gros va influencer les jeunes peintres du Romantisme comme Géricault et Delacroix.



David, Le sacre de Napoléon le 2 Décembre 1804, 1806-1807, 6× 9.79, Louvre.
 Il y en avait 4 toiles au début relatif à divers moments des fêtes du couronnement et du sacre.
 Sur les 4 il y aura que deux le Sacre la distribution des aigles.
Les historiens n’ont pas cessé de ce questionner depuis l’évènement sur les modalités, les significations les enjeux et les limites de cette cérémonie fastueuse.

Le sacre de David c’est à la fois :
 Une peinture d’Histoire
Un immense portrait collectif avec 200 figures.

 C’est un tableau emblématique de la politique artistique de Napoléon mais aussi des modifications apportées.

 Dans la genèse du tableau nous voyons Napoléon se couronner lui même avec le pape passif, mais quand Napoléon était venus voir le tableau le Pape avait toujours les mains posées.
 Mais sur le véritable tableau le Pape bénis discrètement c’est un changement voulus et ordonné par Napoléon.

 Au Salon de 1810 il à exposé la distribution aigles avec l’armée qui prête sermon à l’Empereur, et ce Salon c’est une année charnière car c’est l’apogée de l’Empire et dans ce Salon de prix ont été distribué aux artistes qui ont célébré le plus l’Empire.

Dans les Salons du Premier Empire a pouvais voir des portraits de l’Empereur.
Cette iconographie Napoléonienne réserve des surprises



 Comme le portrait de Ingres avec son portrait présenté au Salon de 1806 et obtiens le prix de Rome en 1801 mais retarde son départ en Italie et commence sa carrière à Paris en peignant des portrait et celui ci est sa pièce maitresse.

 C’est un portrait de prestige, il résulte d’une commande officielle, il a été autorisé pour copier les régalia (les instruments du sacre) et aussi de copier le collier personnel de la légion d’honneur de l’Empereur.

 La rigidité de l’image, les historiens de l’art se sont penché sur les sources visuels du peintre, il à utilisé trois images pour créer ce portrait :
Un diptyque byzantin en ivoire représentant un empereur d’Orient
Une représentation de Saint Louis et s’est inspiré de Dieu
Le père dans le polyptyque de Caen des frères Vaneyck.

 En voit ici que Napoléon est comme figé dans sa puissance, une sorte de Jupiter Olympien, il est impassible comme les Dieux, et c’est une œuvre sans souplesse et sans grâce qui répond à son image officiel.

 C’est une œuvre que l’on juge « too much » et ambigüe, et on se demande s’il n’y a pas un anti bonapartisme.
Les Contemporains ont été gênés par cette image on vas accusé Ingres d’être Gothique et de peindre comme les frères Vayneck avec un souci de texture.
 On est loin de l’harmonie des corps peint par David

Girodet, scène de déluge, 441×341, Huile sur toile, 1806, Louvre.

 C’est un grand format donc peinture d’histoire mais qui n’a rien à voir avec l’épopée Napoléonienne.

 Ce titre, ici c’est un déluge dégagé du mythe et de la religion.

 Elle renvoie le spectateur à un épisode dramatique dont lequel tout idée de salue est radicalement bannie, et elle ne débouche pas sur un sacrifice héroïque.
 Malgré l’effort absolument titanesque déployer par l’homme nu, avec la crispation les muscles en pure perte.
C’est une scène dramatique et noir particulièrement sombre sur l’humanité comme l’homme qui porte un vieillard indifférent à la chute qu’il porte une bourse..

 Ce que l’on voit dans les Salons sous le Premier Empire, ce sont des portraits qui sont stimulé par une nouvelle Noblesse d’Empire mais aussi une Bourgeoisie.



François Gérard, Portrait de M Récamier, 1082.
 C’est une des femmes les plus célèbre du temps qui est la femme d’un Banquier connus car elle était riche et belle et tenait un Salon très recherchait à l’époque.


Prud’hon, L’Impératrice Joséphine dans le parc de Malmaison, 1805-1809, Louvre.
 Ici c’est une autre formule, le modèle est représenté dans un paysage mais dans une atmosphère qui enveloppe la figure, en 1805-1809 on sait que Prud’hon avait des relations avec la protagoniste il l’as rajeunit et elle à une expression mélancolique accompagné par le paysage

 Il va connaître le succès avec ce portrait, c’est un portrait différent des autres avec une sensibilité différente qui peu annoncé un préromantisme.
Nous avons deux monde de représentation :
Une femme contemporaine dans un cadre qui renvoie à l’Antique tout est fait pour accentuer le charme du model.

Ingres, La baigneuse Valpinçon, 1808, Louvre.
 Il part à Rome et quand les jeunes artiste était pensionnaire à Rome il devait envoyer des travaux à Paris pour qu’ils voient les progrès des jeunes.

Ingres envoie alors cette toile lorsqu’il est pensionnaire à Rome :
 La première constatation c’est un nue féminin de dos
 Il laisse pensé que c’est un orientale.

 Tout au long de sa vie Ingres à toujours préféré la sensibilité les corps de femme au nue héroïque Davidien.

 Ensuite, quand David peint un nu il cherche la perfection anatomique et ici il ne s’agit pas d’une femme identifiable mais de l’idée épurée de la féminité elle et à la fois offerte puisqu’elle et nue mais aussi cachée.

 Il y a une tension car les éléments les plus emblématiques de la féminité sont voilés ou atténué, et pourtant il s’agit bien d’une femme.
Et pourquoi Ingres peint une ligne continue à droite ?
 Car cette féminité et inscrite dans la courbe même et enfaite pourquoi Ingres prend ses distance par rapport à l’anatomie perfectionniste Davidienne parce qu’il supprime les saillis osseuse pour renforcer l’harmonie intrasexes.
 De la courbe continue souple et sans cassure.
 Ingres abandonne l’idée du Canon et se détache de l’anatomie

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