Le cinéma est un très long processus d’invention qui commence sa course le28 dec. 1895 avec la première projection cinématographique publique et payante par les





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Il contribue à donner une valeur intellectuelle au cinéma. Charlie CHAPLIN tournera dans la plupart des ses films.
Visionnage "Une vie de chien", 1918
20/04/06

Buster KEATON
Dès son enfance, Keaton avait appris l’art de la chute et de la cascade pour faire rire son entourage. Il débute au cinéma en 1917, en tant que partenaire de Fati et crée dès ses débuts un personnage dont la caractéristique principale est l’impassibilité face aux évènements. C’est ce qui valut souvent à son personnage le nom de Frigo dans les versions françaises.

Mais Buster Keaton est aussi très bricoleur, ingénieux, mélancolique et lui-même convaincu que le monde est absurde ; c’est ce qui explique que son personnage réponde aux problèmes par l’absurde.
Un Genre nouveau : Les « Serials ».
Le genre « sérial » voit le jour en 1908 et trouve son apogée avec la première guerre et le début des années 1920.

Ce genre est celui des feuilletons, qui misait beaucoup sur la médiatisation et la publicité. Le stratagème publicitaire était d’une telle efficacité que le public en est venu à croire que les histoires racontées étaient vraies, déclenchant ainsi des crises de foules.
● Victorin Jasset

Jasset travaille pour la société éclair. Il créa le personnage et la série « Nick Carter ». Ainsi, avec le film « Nick Carter, détective », il lance le genre sérial en France. Tous ses épisodes jusqu’en 1910 rencontreront un tel succès que la production recevra du courrier adressé à Nick Carter lui-même. C’est le succès de cette série qui poussa la société éclair à produire d’autres séries.

Ainsi verront le jour les personnages de « Zigomar » ou encore de Protéa (interprétée par Josette Andriot) qui dura jusqu’en 1919 avec Jasset puis d’autres metteurs en scène prendront le relais de la série.
● Louis Feuillade

Il est à l’origine de la série « Fantômas » en 1913. A l’origine, Fantômas est une série littéraire vendu en kiosque, traduite en 20 langues. Le personnage cinématographique est inspiré d’une campagne publicitaire qui avait marqué 20 les esprits à l’époque : elle représentait un homme masqué, poignard à la main, le pied posé sur Paris. Le succès de la série est tel qu’on accusera la production de nourrir les idées de la véritable bande de malfrats « La bande à Bono ».
● René Navarre

Il met en scène « Les Vampires » en 1915, qui reprend l’histoire d’une bande de malfrats à la poursuite desquels se lance un journaliste.
Le sérial utilisait surtout les ressources du plein air, offrant au cinéma un vrai rafraîchissement de ses décors. En effet, le sérial est un genre qui accuse généralement de très faibles budgets, dopant ainsi la créativité des metteurs en scène. Après la guerre, le genre se teinte un peu de science-fiction.
Cinéma Italien : « Les Divas ».
Historique du cinéma muet en Italie :

1896 : premières projections, puis des opérateurs créent une vague de documentaires d’actualité. 1904 : quelques salles de projections spécialisées voient le jour, c’est l’essor de la demande puis du cinéma en général. A cette époque, la plupart des films sont importés de l’étranger. Pour répondre à l’essor du marché, certaines firmes s’installent alors à Rome et Turin, faisant de ces 2 villes les pôles cinématographiques du pays (L’Ambrosio, L’Italia, La Cines, etc.). L’Italie accuse un retard de 10 ans sur le cinéma français mais son essor est fulgurant.
Dans un premier temps les italiens se calquent sur Pathé, mais pourtant deux genres finissent par se détacher, devenant caractéristiques du cinéma italien, parmi lesquels le cinéma « des Divas ». On se rend compte à cette époque que certains acteurs sont préférés par le public. On décide alors de concentrer la publicité des films sur le visage des acteurs-phare.

Et c’est en jouant cette stratégie commerciale que se crée un genre qui construit les films autour des actrices, instaurant ainsi les règles du cinéma des Divas. Ce sont alors les actrices qui, avant les films eux-mêmes, attirent le public dans les salles.
Le cinéma des Divas dure de 1914 à 1919 et sera constamment accompagné de vastes opérations marketing (cartes postales, biographies,etc.). Les divas les plus connues sont : Francesac Bertini ; Lisa Menichelli ; Lyda Borelli.
Le premier film du genre s’appelle « Mais mon amour ne meurt pas » (de Mario Cesarini – 1913). Ce film est l’archétype du genre :

- personnage de femme fatale

- décors surfaits

- histoire pauvre

- milieu aristocratique

- sensualité frisant l’érotisme

- nombreux plans et cadrages sur l’actrice

Tout dans le film avait alors pour but de mettre en valeur l’actrice et son physique, et tout y est excessif (y compris le jeu des artistes).
Mais à l’époque ce genre répondait parfaitement aux volontés politiques de faire oublier la guerre au peuple italien.
Cinéma Italien : Les Fictions Historiques
« La prise de Rome – 20 sept 1870 » (1905)

Les premiers films de ce genre reprennent les épisodes historiques des derniers jours de Pompéi (1908) ou de Néron (1909).

Ces films sont une succession de tableaux dans laquelle on sent une très forte influence du théâtre. Les films de cette lignée sont courts.
Mais en 1911, des mécènes se décident dans un élan de patriotisme à redorer le blason du cinéma italien. Ces entrepreneurs investissent alors dans ce type de cinéma très coûteux et surtout dans le Péplum, retraçant ainsi l’âge d’or de l’Italie, pour en faire un message nationaliste. Ces superproductions italiennes sont les premiers longs-métrages (jusqu’à 3 heures) et leur succès fera accepter au monde du cinéma la notion et la durée du long métrage.
- « Cabivia », réalisé en 1914 par Giovanni Pastrone, dure 3 heures et constitue l’apogée du genre. La mise en scène est un peu moins statique. Le film sera projeté dans le monde entier et prépare le succès des autres reconstitutions historiques.

D’une manière générale, la reconstitution historique joue avec des décors majestueux et utilise pour la première fois au cinéma les mouvements de foule (beaucoup de figurants) ainsi que le déplacement de la caméra dans le champ. Le cinéma utilise enfin la 3ème dimension en exploitant des décors gigantesques dans leur profondeur.
04/05/06

Le but des films nationalistes est de répondre au désir de grandeur de l’Italie, lancée dans la campagne militaire.
Les années 1910 sont celles de l’âge d’or du cinéma italien. A partir du début des années 1920 le cinéma italien connaît de gros problèmes économiques, en conséquence de la surenchère du coût de ses films et de la montée en puissance du cinéma américain.

1920 : 400 films sont produits dans l’année.

1930 : seulement 10 films dans l’année, le cinéma italien est presque mort.
Cinéma italien : La non-fiction
Avant la fiction, le cinéma italien s’est construit sur le documentaire et plus généralement sur le cinéma de non-fiction.

Le document privilégie la mise en scène de l’information : la forme. Ces films étaient utilisés pour l’éducation et la recherche.

Roberto Omegna, grand nom du documentaire, a fait beaucoup de films scientifiques, de vulgarisation. C’est un cinéaste qui a affirmé la position de l’Italie dans ce domaine.
Visionnage de :

« Neuropathologie » (1908) : film de recherche scientifique, destiné à être projeté à des chercheurs.

« Chasse au léopard » (1908) : le zoom n’eistant pas à l’époque, le film témoigne d’une grand e qualité de la prise de vue.

« La vie des papillons » : mise en application des prises alternées.
Ces films utilisaient pour la première fois le ralenti, la vue microscopique et ont amené un grand progrès technique au monde du cinéma.
1922 : Mussolini arrive au pouvoir. Dans un premier temps il ne s’intéresse pas au cinéma de fiction mais s’intéresse beaucoup plus à la non-fiction, y voyant un outil de propagande.

En 1925 Mussolini prend en main l’Institut National Luce pour le mettre sous contrôle. En 1926 il instaure une loi qui obligeait tout cinéma à projeter régulièrement les films de propagande de l’institut.

Par la suite Roberto Omegna est embauché par l’institut qui met à sa disposition un laboratoire pour tourner ses films scientifiques.
Les recherches et avant-gardes
Courant Naturaliste :

André Antonin : venant du monde du théâtre, il est à l’origine du « théâtre libre » qui utilise les ressorts du naturalisme pour les appliquer au cinéma. Il ne touche au cinéma qu’en 1915 et s’engage à la SCAGL. Entre 1916 et 1924 il crée de nombreux films dont l’influence sera grande.

Sa théorie naturaliste passe par :

- des acteurs non-profesionnels

- les décors naturels

- la sobriété du jeu
Ce courant est donc antagoniste avec le film d’art : c’est la naissance d’un nouveau courant

Films : « les frères corses » (1916) & « L’hirondelle te la mésange » (1922)
Courant Impressionniste :

Courant du cinéma français, uniquement durant les années 1920, qui s’oppose à l’expressionnisme et joue sur la déformation des décors. L’impressionnisme a pour but de traduire les sensations intérieures mais en jouant sur les moyens liés à l’image. C’est un courant intellectuel dont les auteurs viennent souvent de la littérature.

Mais l’impressionnisme au cinéma n’a rien à voir avec la définition qu’en fait la peinture.
L’avant-garde impressionniste s’est développée autours de Louis Delluc (ex journaliste et romancier).

Delluc revendique la plastique avant la dramatique. Il veut un cinéma dégagé du théâtre, qui parle le langage des images : c’est la photogénie. Delluc veut que l’image exprime elle-même les sensations.

Delluc meurt en 1924, ce qui empêche le développement du mouvement.

Les metteurs en scène de « l’école » Delluc sont Abel Gance ; Jean Epstein ; Marcel Lherbier.
Films :

« La folie du docteur tube » (1916) : pour illustrer la folie le réalisateur a utilisé des effets spéciaux de distortion d’image.

«  La 10ème symphonie » (1918)

« J’accuse » (1918)
9/05/06

Able Gance : Principal représentant du mouvement qui, avec de grands films ambitieux, traduit une grand avancée dans les pouvoirs de l’image.

« Napoléon » (1927) : utilisation des petites caméras portatives pour avoir des points de vue étonnants (ex : un cheval en course). Le projet est extrêmement coûteux mais Gance est un peu mégalo. Le film emprunte beaucoup au symbolique te montre aussi beaucoup de travail au niveau de la technique. « Napoléon » a marqué par sa démesure et son côté technique.
Marcel L’HERBIER : ancien juriste et poète. Il travaille dans le symbolique avec la poésie : son cinéma en est la continuité.

« Eldorado » (1921) produit pour la Gaumont. Il utilise beaucoup les trucages et la déformation de l’image. L’Herbier fondera sa propre firme (Cinegraphic) et tournera plusieurs films dont « l’inhumaine » (1924) et « l’argent » (1928).
Jean EPSTEIN : Philosophe, il débute au cinéma grâce à sa rencontre avec Delluc. Il commence par la voie de l’écriture et écrira des grands ouvrages sur le cinéma.

« La vie de pasteur » (1922) ; « auberge rouge » (1923) ; « la chute de la maison Usher » (1928) : film sur la folie.
Avant-garde française liée au Dadaïsme et au surréalisme.
Le dadaïsme

Les mouvements précédant l’avant grade étaient plus graves et sombres. Avec l’avant-garde il y a toujours de l’humour noir mais l’esprit est plus déjanté. La première expérience cinématographique au niveau Dada se fait par Fernand léger « le ballet mécanique » (1924) qui représente une danse d’objets.

On ne veut plus exprimer les sensations et on se détache de la sensation.

René Clair est une figure principale de l’avant-garde : « Paris qui dort » (1923) ; « Entracte » (1924) sont les premières manifestations du dadaïsme dans le cinéma.
Il y a chez les dadaïstes une vraie volonté de se dégager de l’interprétation, on ne cherche plus à faire comprendre à tout prix, on propose juste une succession d’images.
Le surréalisme

Le premier film est signé Germaine DULLAC : « la coquille et le Clergyman » (1927). Le scénario est écrit par le poète Antonin Arthaud, qui tentera par la suite d’empêcher las ortie du film car on lui avait refusé le premier rôle. Le film est plein de défauts et donne une vision trop naïve du surréalisme.

« Un chien andalou » (1928) de Louis BUNEL : d’origine espagnole, Buñel est un proche du mouvement intellectuel des années 1920. Ce film est sa première réalisation et c’est un court-métrage pour lequel il collabora avec Salvador Dali. Le film fit sensation à sa sortie.

« L’âge d’or » (1930) est un film qui a provoqué beaucoup de réactions et sera finalement interdit à la sortie.

1930 sonne la fin du cinéma Dada, avec l’arrivée du cinéma parlant qui donnera naissance à de nouveaux mouvements.
Le cinéma Allemand
Les frères Skladanowski

Ils mettent au point un système pas aussi abouti que celui des frères lumière, qu’ils brevètent en 1895 : Le bioscope. Il permettait de visionner des images animées, ce qui fait qu’on les considère parmi les inventeurs du cinéma.

Paul Leni

A travaillé comme décorateur et est devenu réalisateur. Il a commencé pendant la première guerre mondiale avec « le journal du Dr Mart » (1917). IL joue beaucoup sur les lumières (cinéma expressionniste).
Ce qui aide le cinéma ce sont ses techniciens performants. La plus grosse maison de production est l’UFA, dont l’objectif premier est la propagande. Toutes les vedettes allemandes de l’époque y ont travaillé.

Après la guerre la pays est démocratisé et le cinéma est dans une bonne période : il attire beaucoup de public et la UFA se développe très rapidement et accueille de nombreux étrangers.
Expressionnisme

A la fin des années 1910, on tente de trouver des significations possibles au cinéma, il y a une vraie réflexion intellectuelle.

Paul Wegener avance l’idée qu’il y a une spécificité dans le langage cinématographique pour exprimer des choses. Wegener veut se dégager de l’expression théâtrale.

Robert Wiene : «  Le cabinet du Dr Caligari » (1920) marque la volonté d’un retour à une esthétique plus simple. On ne fait plus un décalque de la réalité. Le récit est construit en flash-back et on revient à l’esthétique du cinéma théâtral : volonté de rompre avec la réalité.

L’expression tend à l’extrémisme par rapport aux acteurs. Ces films se concentrent sur une interrogation sur l’inconscient et les mystères de l’âme.
● Fredercich W.Murnau arrive dans le cinéma par le théâtre. Dans sa jeunesse il fait partie des avant-gardes du cinéma. Il conçoit son cinéma comme un art à part entière, dans lequel il fait beaucoup de références culturelles

« Nosferatu » (1921) : film qui relève de la comédie

Adaptation de « Tartuff » (1925)

« Faust » (1926)

Fritz Lang : peintre, sculpteur & officier pendant la guerre, il écrit ensuite des scénarii, dont « Le Dr Mabuse » ou « le joueur » (1921).



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